La salle fermée, les représentations annulées, Emmanuel Demarcy-Mota, directeur du théâtre, a décidé de tout faire «pour qu’une lumière reste allumée dans le théâtre, que les artistes, techniciens puissent continuer à répéter, que le lien soit préservé avec le public. Pour empêcher chacun de sombrer dans l’isolement et le silence. »
Read More →
Alain Françon à la mise en scène, avec les comédiens Catherine Hiegel, Noémie Lvovsky, André Marcon dans une pièce de l’Autrichien Thomas Bernhard Avant la retraite (créée en 1979). Cette « comédie de l’âme allemande », comme la qualifie son auteur, est une plongée dans l’abjection et la haine teintée d’un humour ravageur. Une peinture d’une férocité cinglante servie par une écriture limpide aux tonalités musicales.
Read More →
L’interprétation est impeccable, réglée au cordeau par la chorégraphie de Damien Jalet. Adama Diop, Pascal Greggory, Frédéric Pierrot et Arthur Nauziciel (metteur en scène de la pièce) sont les quatre brutes primaires soumises à la violence de leurs désirs. Tout en laissant filtrer (ouf !) une pointe d’ironie et de distance.
Read More →
Suivant l’ouvrage de Peter Szendy, Ecoute : une histoire de nos oreilles, l’auteur du spectacle Mathieu Bauer, avec la collaboration de Sylvain Cartigny, explore, de questionnement en questionnement, le monde du son, l’histoire de la musique, et la qualité, l’intensité de l’écoute.
Read More →
Le regard que porte le dramaturge Dennis Kelly (Love and Money, Occupe-toi du bébé, Boys and girls,…) sur la société britannique est noir et acéré. Ici, il laisse entrevoir, derrière le huis clos, un monde extérieur menaçant, un milieu humain sordide où le racisme fait partie du quotidien.
Read More →
Alors qu’il travaillait sur Le Mystère de la charité de Jeanne d’Arc, de Péguy, Frédéric Fisbach, voit, comme tant d’autres, son travail mis à l’arrêt par le confinement. Il repense alors son projet et y intègre la projection d’un possible futur.
Read More →
Pour effectuer ce travail « depuis la mémoire française » et cette remontée dans l’Histoire, Margaux Eskenazi et Alice Carré ont rencontré des historiens, des sociologues, des artistes algériens et recueilli des témoignages de personnes ayant vécu la guerre ou hérité de sa mémoire.
Read More →
A partir de cinq grandes plaidoiries entrées dans les annales judiciaires, et reconstituées par le journaliste Matthieu Aron, Richard Berry et son metteur en scène Eric Théobald créent un matériau dramatique passionnant. Sur scène, deux pupitres. Une voix off annonce que l’audience va reprendre, on entend les brouhahas de l’assistance. Le comédien entre, enfile la robe d’avocat.
Read More →
Ici, le grand inquisiteur n’est pas seul, mais se voit rejoint par des personnages politiques actuels ou du siècle dernier, et la quête de Dieu vire au grotesque.
Read More →
Parce que « Iphigénie, c’est un monde à l’arrêt », le directeur de l’Odéon a vu dans la pièce de Racine, une résonance avec le moment actuel. Inspirée à Racine par l’Iphigénie à Aulis d’Euripide, on y voit le roi Agamemnon contraint par les dieux de sacrifier sa fille Iphigénie pour que les vents se lèvent et que la flotte grecque puisse prendre la mer et gagner Troie, son objectif.
Read More →
Métaphore du chemin, de la liberté et de l’existence, le dernier texte de Peter Handke (traduit par lui-même en français) interroge aussi sur la place de l’individu dans la nature et l’évolution de la société. Au fil des quatre saisons, Moi est confronté au Temps, à l’attente de l’Inconnue, à l’espoir. Dans la majesté du décor de Jacques Gabel –superbe tableau inspiré des toiles de Gerhard Richter- et les lumières de Joël Hourbeigt, l’image de la route s’imprègne fortement.
En mettant en scène le texte originel de Pelléas et Mélisande, écrit en 1892, Julie Duclos traque le silence et sa part essentielle dans la musique de l’écriture, où l’on entend les points de suspension, où la parole résonne en écho, ce qui n’est pas dit restant suspendu. Associant habilement cinéma, vidéo, son et lumières, Julie Duclos plonge dans un univers étrange, intemporel et pourtant qui semble proche.
Jamais traduites en français jusque là, on doit à Nicolas Struve, russophone, de découvrir cette correspondance qui éclaire la création de La Mouette, dont la première représentation, en 1896, fut en échec. Recrée en1898, elle rencontrera le succès au Théâtre d’Art de Moscou. A partir de fragments de la correspondance et d’extraits de La Mouette, Nicolas Struve a construit un spectacle où la vie passe, palpite et tressaille, comme dans le théâtre de Tchekhov. Les lettres sont pleines de vie, spontanées.
Les histoires se succèdent, de l’anniversaire au chroniqueur en panne d’inspiration jusqu’à la poursuite métaphysique du K, dans une tension qui va crescendo. Commencé sur un ton presque léger, le spectacle se charge d’intensité, de poésie, d’étrangeté, voire d’inquiétude au fil des textes, portés par le jeu exceptionnel de Grégori Baquet.
Un spectacle autour de la figure de la grande Arletty, le pari peut paraître osé, il est agréablement relevé. Auteurs, metteure en scène et interprètes ont conjugué leurs multiples talents pour passer en revue la vie de la comédienne, disparue en 1992. Elodie Menant, coauteur avec Eric Bu, se coule dans cette personnalité hors du commun sans chercher l’imitation mais en lui imprimant un ton gouailleur. A ses côtés, Céline Espérin, Marc Pistolesi et Cédric Revollon, à la fois comédiens, danseurs et chanteurs, incarnent tous les autres personnages avec une précision remarquable. Ils sont excellents.
Pour sa deuxième collaboration avec la troupe de la Comédie-Française, Arnaud Desplechin a choisi de mettre en scène Angels in America, pièce emblématique de Tony Kushner sur le sida, dans une version scénique réduite. Traduite par Pierre Laville, elle garde sa lourdeur et relève aujourd’hui davantage du document d’époque sur les années sida dans l’Amérique des années Reagan. Beaucoup moins scandaleuse que lors de sa création, elle entremêle l’intime et le politique, le prosaïque et le merveilleux.
Les nouveaux directeurs du Théâtre 14, Edouard Chapot et Mathieu Touzé, accueillent dans la salle, entièrement reconfigurée, une première création : un texte de Sonia Chiambretto mis en scène par Anne Théron. A l’origine du texte, il y a les entretiens recueillis par la sociologue Sylvie Monchatre auprès de salariés de l’hôtellerie et de la restauration. Sonia Chambrietto s’en est inspiré pour écrire cette pièce où trois personnages occupent tour à tour différents emplois. Mis en scène par Anne Théron et chorégraphié par Claire Servant, le spectacle est découpé en saynètes visant à montrer le quotidien de ces personnels de service, et aussi leurs réflexions et aspirations.
C’est une histoire d’aujourd’hui entre deux jeunes femmes amoureuses, Katia et Justine, désireuses d’avoir un enfant. Mais l’idylle s’interrompt quand Justine disparaît mystérieusement, laissant Katia seule avec son enfant, une fille.Mais si Alexis Michalik (qui joue l’écrivain) voulait « faire rire et pleurer », il n’y réussit pas vraiment. Comme s’il ne voulait pas approfondir l’histoire d’amour, il ne donne pas suffisamment d’épaisseur à ses personnages, juste esquissés à gros traits.
Pour donner à voir ces deux aspects de la vie de Kafka, les metteurs en scène à l’origine du projet, Sylvie Blotnikas et Julien Rochefort, ont entrecroisé douze récits écrits par Kafka (adaptés pour la première fois au théâtre par Sylvie Blotnikas) et des lettres adressées à son employeur. Classicisme du style, écriture précise, imagination, chimères, on retrouve dans la variété des récits, habités d’inquiétude et d’angoisses, les obsessions de l’écrivain.
Formé à Essen dans les années 90, au sein de la célèbre Folkwang Universität, le collectif Familie Flöz s’est ensuite installé dans un studio à Berlin où il prépare et répète ses dernières créations, basées sur l’art du masque, dont il a fait sa marque. Récompensés par de nombreux prix internationaux, les spectacles de Familie Flöz (pas besoin de traduction, ils sont muets) sont joués dans le monde entier, jusqu’en Chine.
Plongée à l‘intérieur d’une famille « orpheline de sa propre histoire ». Tout se passe dans un appartement, au cœur d’une cité. Le père est malade. Nadir, le fils ainé, vient pour s’occuper de lui. Nadir est l’image de la réussite sociale opposée à celle de ses frère et sœur qui vivent de petits boulots et de combines. Son arrivée introduit le déséquilibre dans la maison. Déraciné, le père a la nostalgie du bled, où il aime revenir chaque année et planter des arbres.
Le fantôme d’Aziyadé est l’histoire d’un amour à travers le temps. Alors qu’il est officier de marine, de passage en Turquie, Pierre Loti est attiré par une jeune femme entrevue derrière les barreaux d’une demeure. Profondément séduit par l’intensité de son regard, il met tout en œuvre pour la rencontrer. Dans cette quête, ce besoin du passé, le texte se fait de plus en plus envoûtant, l’auteur approfondit le voyage intime, creuse sa mémoire, reconstitue les fragments du souvenir. En relation étroite avec le public, Xavier Gallais invite au pèlerinage dans l’espace géographique et dans le temps du passé, suscite des images, réveille les fantômes.
Formé par des jeunes filles de Gennevilliers, lycéennes, étudiantes ou travailleuses sans expérience de théâtre, ce chœur moderne est celui des Phéniciennes revues par Martin Crimp qui va faire ressurgir les grandes figures mythiques pour mieux interpeller le présent. Ce tissage de l’archaïque et du contemporain est singulièrement percutant qui montre des femmes regardant un monde d’hommes se détruire sous l’œil des dieux.
Caryl Churchill, 81 ans, est une figure majeure de la scène britannique. Dramaturge engagée et militante, son théâtre explore les thèmes politiques actuels, comme dans Escaped alone, titre original de la pièce traduite par Elisabeth Angel-Perez et mise en scène par Marc Paquien. Rien de surligné dans la mise en scène sobre et précise qui fait entendre cette « comédie de fin du monde » dans toute son étrangeté et sa vigueur. Le quatuor est exceptionnel : Charlotte Clamens, Danièle Lebrun (de la Comédie-Française), Geneviève Mnich, et Dominique Valadié, quatre comédiennes rares à applaudir sans réserve
Parvenus à l’âge de la retraite, ces « chibanis » (vieux, en arabe) sont restés là, perdus dans le maquis administratif des papiers, dignes mais « invisibles », « chacun tout seul, chacun dans sa chambre ». De nombreux témoignages ont nourri la pièce de Nasser Ndjemaï, qui ne prétend pas faire du théâtre documentaire. Tout transpire pourtant l’authenticité,
Pour la Comédie-Française, la saison 2019 fut riche en créations, notamment celle de l’emblématique pièce sur le théâtre, Fanny et Alexandre d’Ingmar Bergman, créée en février dans une mise en scène de Julie Deliquet. Sa reprise ne pouvant avoir lieu Salle Richelieu comme initialement prévu, la Comédie-Française en présente une captation réalisée par Corentin Leconte en mai 2019. Le 26 février, France 3 mettra à l’honneur les multiples talents de la troupe avec la diffusion de La Comédie-Française chante Gainsbourg, d’après le spectacle Les Serge (Gainsbourg point barre), créé au Studio-Théâtre en mai 2019.
Tout l’œuvre de Picasso est traversé par la musique, les sons, le chant et la poésie, des premières scènes de vie gitane aux joueurs de flûte des années 70, en passant par les saltimbanques musiciens, les Guitares cubistes, les collaborations avec les Ballets Russes ou les bacchanales animant un nombre infini de toiles, dessins, céramiques et sculptures.
Ce samedi 14 novembre, Arte Concert et France Musique diffuseront en direct l’opéra de Rameau dirigé par Raphaël Pichon et mis en scène par Jeanne Candel. Avec Reinoud van Mechelen et Elsa Benoit dans les rôles titres et le chœur et l’orchestre Pygmalion.
Paris, la ville, la nuit… Dans le cadre d’Un été particulier à Paris, on peut redécouvrir la mise en scène par Roland Auzet de la pièce de Bernard-Marie Koltès Dans la solitude des champs de coton, interprétée par deux comédiennes exceptionnelles, Anne Alvaro et Audrey Bonnet, créée dans un centre commercial de Lyon en mai 2015 et en tournée depuis. Dans un dispositif qui anticipait les mesures sanitaires actuelles, le spectateur, muni d’un casque, suit la rencontre des deux protagonistes, l’enjeu du deal, la question essentielle du désir entre un « vendeur », et un client potentiel.
Pour un été solidaire, le Théâtre de la Ville, installé à l’Espace Cardin, propose un programme de cinq spectacles tout public, au tarif unique de 10 euros et gratuits pour les moins de 14 ans et le personnel soignant, ainsi que des concerts sur la scène extérieure et des consultations poétiques, musicales et dansées
Demain seront dévoilés les prix du Syndicat de la critique dramatique, sans remise « présentielle », sans rencontre avec les lauréats. Le lendemain, mardi, auront lieu les Molières, prévus initialement le 11 mai et reportés, crise sanitaire oblige, au 23 juin. Là encore, pas de cérémonie en public, mais une retransmission sur France 2, depuis le Théâtre du Châtelet.
Limité à une jauge de dix personnes et respectant toutes les normes et recommandations sanitaires, il met à l’affiche sa première création jeune public : Elle pas princesse, lui pas héros, un texte de Magalie Mougel mis en scène par Johanny Bert avec les artistes associés au Théâtre. Il est à parier que cette histoire de deux enfants d’une même classe trouvera un écho chez les jeunes spectateurs.
Venu du Québec, le Théâtre de la Tortue noire a posé pour un temps ses valises remplies d’objets au Théâtre des arts de la marionnette. Inspirés par la relation entre l’humain et le monde matériel, ses artistes placent l’objet au centre de leur processus de création, mettant en scène de nouveaux rapports entre acteurs et objets qui se reflètent autant dans le contenu dramaturgique que dans la forme.
Le week-end du 31 janvier au 2 février s’annonce contemporain et créatif au Palais de la Porte Dorée. Pendant trois jours, artistes, graphistes, musiciens et circassiens prendront possession des lieux avec des performances, installations, concerts et DJ sets. L’occasion de découvrir autrement ce lieu joyau de l’Art déco.
